25/06/06

Naturaleza en PHE 2006

por Olga Simón

© Todas las fotografías Olga Simón, Pablo Cuadrado y distintos autores
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El pasado 1 de junio comenzó el festival de fotografía Photoespaña 2006. En él 375 artistas, en 62 exposiciones repartidas por Madrid y Toledo, nos muestran diferentes acepciones entorno a la idea del paisaje, y nos sumergen en refrescantes escenarios, tan necesarios en el arte como en nuestra ciudad, Madrid, urbe contemporánea por excelencia, caracterizada en estas fechas por sus asfálticos calores.

Con el tema
Naturaleza, Horacio Fernández cierra su trilogía como comisario general del Festival. Si bien mostró buen hacer en sus dos propuestas anteriores Historias y Ciudad, Horacio se despide por todo lo alto con el que está resultando su mejor festival.





¿Qué hemos encontrado?



Una propuesta expositiva muy interesante, polimorfa y variada. Si observamos en conjunto, detectamos un acercamiento al paisaje natural, al urbano, al paisaje construido, al de-construido, al paisaje interior, al exterior, al irreal o surrealista, al oriental, al occidental, al espacio interior, a los paisajes mentales, al lugar tópico, al "no lugar" utópico, a los paisajes vivos y a los que reflejan muerte.

 
Bae Bien-U   Sin tírulo de la seie Pine Tree   1992

Entre los trabajos de la sección oficial que llaman la atención está el de Bae Bien-U [Yosu, Corea del Sur, 1950] expuesto en el Museo Tyssen-Bornemisza, que nuevamente se incorpora a las filas de Phe. De esta exposición comisariada por Oliva Mª Rubio, destaca la serie Pine Tree [pino]: unos majestuosos pinos entre niebla de enormes dimensiones y perfecta técnica, que nos trasladan a otra realidad. Son paisajes emocionales [cercanos al paisaje romántico] que nos llenan de placidez e incitan a la meditación. Durante su contemplación, rodeados de un clima de silencio, llegamos a sentirnos transportados. El árbol es una figura repleta de simbología: es la unión de lo terrestre con lo celestial y representa la vida, además el pino es esencial en la cultura coreana. Bien-U con sus fotografías nos acerca a naturalezas vírgenes que parecen sacadas de otra época, donde la intervención del hombre industrializado todavía no ha hecho su aparición.



Muy interesante por la variedad de propuestas que contiene, resulta la exposición Del  paisaje reciente presentada por el Museo Colecciones ICO. Allí se dan cita trece autores radicalmente diferentes, entre los que destaco tres propuestas. Rodney Graham [Vancouver, Canadá, 1949] presenta seis enormes fotografías de su serie Flanders Trees, en las que recurre nuevamente el árbol, figura por antonomasia del paisaje. Pero como hacía el pintor expresionista alemán Georg Baselitz [quien para descontextualizar la obra, invertía sus pinturas], Graham nos muestra sus árboles invertidos. Con esto hace referencia a la cámara oscura, que es el procedimiento empleado por los primeros fotógrafos y que él retoma para la realización de esta serie. Se trata de un cuestionamiento profundo de la génesis de la fotografía, de la lingüística de Saussure, de la teoría de la Gestalt, y del psicoanálisis de Lacán.

 
Rodney Graham  Serie Flanders Trees 1989-2001

Personalmente, los gigantes árboles de Graham siempre me susurran que, en esta vida, de vez en cuando, hemos de observar las cosas desde otra perspectiva, dándoles la vuelta, para llegar a conclusiones acertadas.

En la misma exposición encontramos los románticos paisajes marinos de Nobuo Asada [Takahama-cho, Japón, 1967] pertenecientes a su serie A Place Where the Sea Is. La ambivalencia de este trabajo reside en que mediante bellas instantáneas de mares, olas y luces de atardecer, Asada habla de la inestabilidad del ser y del ahogo. El punto de vista y la composición [en la que dos tercios del encuadre son agua], sumergen al espectador en mitad del océano, y lo trasladan mentalmente hasta el punto de experimentar, en primera persona, la angustiosa sensación de asfixia que produce el conocimiento de nuestra pequeñez frente al abismo de la naturaleza.


Nobuo Asada   Serie A Place Where the Sea Is  1997-2004        Espectador ante un mar de  Asada   Fotografía Pablo Cuadrado

En el Museo Colecciones ICO también se encuentra el excelente trabajo de la fotógrafo Maiko Haruki [Ibaraki, Japón, 1974], que podemos considerar como la expresión minimalista más extrema del paisaje. Al observar su serie Rain [lluvia], en un primer golpe de vista nos encontramos con imágenes abstractas creadas por dos planos de color, que nos recuerdan a la abstracción de Malevich, o a los horizontes zen de Hiroshi Sugimoto. Ante este trabajo tenemos que detenernos. Sólo al observar con detenimiento, descubrimos unas “casi inapreciables” gotas de lluvia que pasan discretamente de un plano al otro de la imagen.

 
Maiko Haruki   Rain  2004

Se trata de la fotografía de unas gotas de agua que caen desde un tejado. No estamos ante ningún tratamiento digital, sino ante unos encuadres arriesgados, que nos muestran otras maneras de ver el mundo. Ante este exquisito trabajo, surge la reflexión entorno a nuestro precipitado ritmo de vida, que en numerosas ocasiones nos impide disfrutar de los pequeños detalles.



Con la exposición Caminos de Naturaleza La Fundación Telefónica expone de forma individual, por primera vez en España, el seriado trabajo fotográfico de Olafur Eliasson [Copenhague, Dinamarca, 1967]. Este autor trata el paisaje como experiencia. Desde 1989 viaja cada verano a Islandia y explora la isla fotográficamente, escudriñando cada camino, horizonte, grieta, océano, glaciar, puente, río, bosque y accidente de su geografía. Los resultados son fotografías de carácter romántico, que organiza en forma de inmensos polípticos que llenan las paredes del espacio expositivo, a la vez que atrapan la mirada del espectador.

 
Olafur Eliasson   Serie de horizontes [detalle]  2002




Bajo el sugerente título de Madre Tierra, el Centro Cultural de la Villa, muestra el trabajo de tres autores que hablan del cambio del paisaje en la Tierra, de la manipulación de la Tierra por el hombre con el fin de explotar sus recursos naturales y de la vida en la Tierra.


John Davies   Garth Wood  de la serie  The British Landscapes  2006


John Davies [Cheshire, Reino Unido, 1946] en su serie The British Landscapes, hace una visión sutil y relajada de la intervención humana en el paisaje. Fotografía paisajes en blanco y negro de su Inglaterra natal, y muestra como éstos se van modificando por la industrialización.


En contraste, el trabajo
Dilemas de Edwar Burtynsky [St. Catharines, Canadá, 1955], nos propone un choque frontal con la "grandiosa" intervención del hombre en el mundo. Descendiente de la estética fría, rígida, precisa y de la realización exquisita de la escuela alemana de Dusseldorf, Burtynsky nos sitúa frente a gigantescos paisajes en los que inmensas grúas, enormes andamios y demás maquinaria industrial se encargan de extraer los recursos naturales de la tierra. Nos enfrenta a la cruda realidad: los hombres hemos modificado el paisaje natural y salvaje, por el urbano e industrial. ¿Podremos algún día volver a recuperar nuestro paraíso original? Lo que estamos haciendo con nuestro planeta ¿es lo que verdaderamente queremos? Las reflexiones posteriores son inevitables.


Edwar Burtynsky   Proyecto de la presa de las Tres Gargantas, Río Yangtze   2005  
 

Una de las sorpresas más agradables del festival nos llega de la mano de Rinko Kawauchi [Siga, Japón, 1972] que en su serie Aila presenta un paisaje emocional basado en el detalle. Un acercamiento al día a día: un hielo que se derrite, una gota de leche, copito de nieve, un reflejo en el agua o el nacimiento de una criatura. Un conjunto de susurros, la mayoría de formato reducido, que constituyen en conjunto un maravilloso y rotundo canto a la vida. 

 
Rinko Kawauchi fotografiada por Olga Simón      Fotografías Sin título Serie Aila   2003     


Vista de la exposición de Rinko Kawauchi   Fotografía Olga Simón


Sus imágenes y las breves palabras que pudimos cruzar, develan que lo que Kawauchi muestra no son sólo imágenes, sino una filosofía de vida: la importancia de lo íntimo, del detalle, de prestar atención a las pequeñas cosas, se ve reflejado en su trabajo: en lo íntimo del formato libro y de los espacios reducidos, o en lo poético de los tamaños discretos. Una “oda al susurro”, que es como una bocanada de aire fresco en un contexto artístico donde el grito del gran formato nos tiene a muchos completamente asfixiados.

Pese a su juventud, Kawauchi es una artista madura, de ideas claras, que tiene mucho que aportar a la fotografía contemporánea.



En el Centro Cultural Conde Duque la propuesta más interesante es la exposición de Karl Blossfeldt [Schielo, Alemania, 1865]. En ella podemos contemplar en vivo y en directo, las fotografías detalle de las plantas que él mismo creaba y manipulaba para mostrar a sus alumnos de escultura y dibujo. [Hemos de recordar que Blossfeldt antes de ser profesor fue escultor y modelista de un taller de fundición de hierro, y esto marcó profundamente su trabajo escultórico-fotográfico]. Como las fotografías de la exposición están sacadas de las placas de cristal originales, resulta curioso observar, la escritura del propio Blossfeldt “invertida”, a la manera de los diarios del mismísimo  Da Vinci.

 
Karl Blossfeldt   Delphinium, s.f.   Archivo Ann und Jürgen Wilde, Zülpich   2006



En el día mundial del medio ambiente, el Museo Nacional de Ciencias Naturales, presentó la exposición La naturaleza fuera de sí, en la que queda patente, tras la mirada de 90 fotógrafos de la Agencia France-Presse [AFP], el carácter indomable de la naturaleza y del mundo en que vivimos. Las lluvias torrenciales, los monzones, y los tsunamis, la carencia del agua, las sequías, los incendios o la contaminación, siguen siendo nuestros peores enemigos, y requieren de nuestra urgente ocupación.



Museo Nacional Ciencias Naturales  Fotografía Olga Simón       Gerard Julien  Riada en Adge Francia tras lluvias torrenciales 2003


Christophe Simon  Muxía España vertido tóxico del Prestige 2002     Nicolas Asfouri Embalse seco de una presa en el Alentejo Portugal 2005

Las fotografías de esta exposición, pese a su duro contenido, son de una belleza tan incalculable, que se ha echado en falta la edición de un catálogo, que a buen seguro los espectadores nos llevaríamos bajo el brazo, para poder contemplar detenidamente las imágenes y reflexionar sobre el problema en la intimidad.



Con una temática similar, en el Círculo de Bellas Artes encontramos el
magnífico trabajo de
Chris Jordan [San Francisco, Estados Unidos, 1963] In Katrina´s Wake  [En la estela del Katrina], sobre los resultados del devastador huracán Katrina, que en 2005 asoló la costa de Nueva Orleans. Se trata de un trabajo realizado con gran sentimiento y sensibilidad. Aunque lo más espectacular hubiera sido mostrar el caos de un mundo destrozado, Jordan escoge centrarse en el detalle, y nos muestra el sentimiento de pérdida mediante escenas tan sugerentes [e hirientes] como una radio flotando en un charco o un monopatín en el fango. Jordan no nos enseña la cruda muerte, sino la estela que deja la muerte. Los objetos que fotografía no nos dejan indiferentes: nos ponen los pelos de punta, porque sabemos que pertenecieron a personas cuya suerte desconocemos.


 Chris Jordan    Serie In Katrina´s wake      
                                                  


 Chris Jordan contempla su trabajo In Katrina´s wake    Fotografía Olga Simón
                 

Este trabajo fotográfico supuso un mes de duro trabajo en condiciones infrahumanas [tuvo que volver en dos ocasiones puesto que cayó enfermo como consecuencia de la contaminación de los lugares en los que trabajaba], pero sobre todo, tal y como él nos reconoció, la experiencia supuso un cambio en su persona. Destacamos la extraordinaria amabilidad de este fotógrafo, su implicación y la emoción que le embargaba al contar su vivencia personal. Su trabajo es uno de los que merece la pena ver antes de que se clausure el festival.


Círculo de Bellas Artes     Fotografía Olga Simón


El Circulo de Bellas Artes expone también varios trabajos de Joel Sternfeld [Nueva York, Estados Unidos, 1944], del que destaco su serie On This Site 1993-1994, que es un estudio sobre la violencia en América. En esta serie Sternfeld realiza fotografías de escenarios o lugares vacíos, donde ocurrieron sucesos violentos en el pasado, que describe mediante un texto explicativo situado al lado de cada imagen. Es un trabajo ambivalente que navega entre la aparente neutralidad del lugar fotografiado, y el horroroso suceso allí ocurrido. Con lo complicado que resulta la lectura de textos en un evento tan saturado de posibilidades como es Phe, Sternfeld logra enganchar al espectador, que dedica gran parte de su tiempo a empaparse de las historias de cada una de sus fotografías.


Joel Sternfel   Serie On This Site   1993-1994

Central Park, north of the Obelisk, behind the Mtetropolitan Museum of Art, New York, may 1993

El 26 de agosto de 1986 a las 04:30 de la mañana Jennifer Levin y Robert Chambers fueron vistos abandonando el Dorrian´s Red Hand, un bar en el Upper East Side. El cuerpo de Jennifer fue encontrado a las 06:15 del mismo día bajo este manzano del Central Park. La autopsia determinó estrangulamiento. Jennifer falleció con 18 años. Chambers a la edad de 19 años se declaró culpable de asesinato en primer grado.

El Real Jardín Botánico nos acerca a la concepción del paisaje surrealista que Gonzalo Puch [Sevilla, España, 1950] desarrolla entorno a una charca. Laboratorio exterior es una serie repleta de escenificaciones surrealistas que más que dar respuestas concretas, lanzan auténticos interrogantes. Puch traslada su estudio al exterior, y realiza sus escenografías en la calle. Sus paisajes son de escala muy humana: en vez de los románticos paisajes repletos de mares de nubes que el pintor alemán Friedrich mostraba en sus lienzos, Puch trabaja sobre escenarios cotidianos, como son los charcos o los parques públicos, donde además suceden cosas raras. Se trata de un discurso interior, personal y extraño, que toma la naturaleza como escenario, algo que empieza a ser una característica de la “fotografía escenificada” del siglo XXI.

 
Gonzalo Puch    Sin título   2006    Cortesía de la Galería Pepe Cobo

    

En la exposición El espacio interior organizada por la Consejería de Cultura y Deportes de la Comunidad de Madrid, destaca el trabajo de la fotógrafo inglesa Sam Taylor-Wood [Londres, Inglaterra, 1967], quien se autorretrata sucesivamente suspendida en el aire, como si flotara en otra dimensión. Estamos ante otro ejemplo de fotografía contemporánea basada en la escenificación, en el discurso personal, y en el planteamiento de un paisaje interior, emocional, surrealista y extraño, de difícil explicación.

 
Sam Taylor-Wood   Autorretrato suspendida IV 


La Consejería de Cultura y Deportes de la Comunidad de Madrid presenta en la inigualable sala de exposiciones del Canal de Isabel II, el trabajo Contranatura del fotógrafo Cristobal Hara [Madrid, España, 1946]. Se trata de otra poética personal mucho más cercana y comprensible, a través de la cual Hara inmortaliza con sencillez escenas cotidianas, fiestas, ritos y tradiciones de la España más profunda. De esta exposición además de destacar el gran montaje expositivo, hay que aplaudir la calidad en la edición de su catálogo.


Exposición de Cristobal Hara en la Sala del Canal de Isabel II   Fotografía Pablo Cuadrado



El trabajo de Ramón Massats [Caldas de Montbui, España, 1931], expuesto en la Real Fábrica de Tapices, es otra de las visiones particulares de uno de los grandes de la historia de la fotografía española. En la exposición Contactos, se contraponen a modo de dípticos sus fotografías tradicionales en blanco y negro, con las imágenes de color realizadas veinte años después. Aunque el montaje de la exposición ha seguido los parámetros de “show” fotográfico [por las excesivas dimensiones innecesarias de los formatos y por buscar el recurso fácil de contrastes con dípticos], hay que reconocer la agradable sorpresa que ha supuesto observar que Massats domina la fotografía en color, como pocos fotógrafos saben hacer.

 
Ramón Massats   Madrid  1960   Calatorao   1982 

 
Ramón Massats   Málaga  2005   Madrid   1957


Quizá hubiera resultado mejor dividir la exposición en dos partes
[
una donde se mostrase su trabajo anterior y en la otra el más reciente], olvidando los dípticos y haciendo uso de un formato más modesto. Pero lo importante es que Massats ha sido y sigue demostrando que es uno de los grandes nombres de la fotografía española.


Ramón Massats   Moscú  2002   Madrid   1960                    Ramón Massats   Barcelona  1953   Tierra de Campos  1987



En paralelo al festival, ha resultado realmente interesante el curso Fragmentos para una estética del paisaje fotográfico organizado por La Fundación Astroc y el IVAM, donde, a la cabeza del extraordinario crítico Fernando Castro Flórez, y del exquisito trabajo de Mar Menéndez, pudimos deleitarnos, de forma gratuita, con las conferencias en torno al paisaje de expertos de la talla de Joan Fontcuberta, Javier Madruelo, Santiago B. Olmo, Alberto Ruiz de Samaniego, y del director del curso Fernando Castro Flórez.

Todo un acercamiento al arte contemporáneo, una exquisita difusión del medio fotográfico, una semana de debate y una labor docente sin precedentes, que dio comienzo el año pasado con la temática del retrato, que este año ha versado sobre el paisaje, y del que ya estamos deseando conocer el tema estrella de su próxima edición. Este curso ha de anotarse como una cita anual a la que estudiantes, profesores, artistas, críticos y profesionales no deberíamos dejar de asistir.


 Fundación Astroc  Fernándo Castro Flórez y Joan Fontcuberta
      Antonio Weinrichter en los Encuentros PHE   Fotografía  Olga Simón          Fotografía   Pablo Cuadrado  

                                                                                       

También hemos podido asistir a los IV Debates en torno a la fotografía, dentro de los Encuentros de Phe, y hemos disfrutado del buen ambiente de Las proyecciones de Santa Ana, entre las que destacó el interesantísimo trabajo de Eduardo Nave titulado Normandía: las llegadas del desembarco: un recorrido fotográfico por las playas  que fueron escenario del desembarco de Normandía. Eduardo viaja a los escenarios reales, y nos presenta un trabajo ambivalente: bellas imágenes de playa, que fueron el cementerio de miles de vidas. Cierra su proyección con una fotografía de un cementerio repleto de cruces blancas, donde descansan miles de cuerpos: un paisaje de “muerte” difícil de olvidar.


Eduardo Nave   De la serie Normandía: las llegadas del desembarco
 


¿Qué se echa en falta?

 
Un poco más de participación española. Entendemos que Photoespaña es una feria internacional, y que hay que "acercar" el arte del momento a nuestra cultura, pero ¿no es la oportunidad para "lanzar" el mercado español hacia el exterior? ¿No debería ser el movimiento de ida y vuelta? ¿No es Photoespaña el escaparate ideal para nuestros artistas fotógrafos?


En este sentido hemos de aplaudir las decisiones tomadas por la Consejería de Cultura y Deportes que expone a Cristóbal Hara,  la Real Fábrica de Tapices, que trae a Ramón Massats y aplaudir a numerosas galerías que como la Galería Astarté, apuestan por el mercado español, y arriesgan por un trabajo vinculado a la naturaleza, pero con una visión diferente, no convencional, como es el caso del trabajo Cuaderno de Campo de Luis Castelo [Barruelo de Santullán, España, 1961]. Este autor hace un uso no normativo del escáner plano introduciendo animales vivos, y produciendo un tipo de imágenes verdaderamente sorprendentes, que recuerdan a los trabajos producidos por los artistas de las primeras expediciones del siglo XVIII. Recomendamos específicamente su visita, para comprobar, en primera persona los interesantes resultados que se obtienen cuando se recurre a “otras maneras” diferentes de hacer las cosas.


  Galería Astarté  Cuaderno de  campo  Luis Castelo                                               Luis Castelo   Pachygrapsus marmoratus
  Fotografías facilitadas por el autor y la galería


¿Podremos ver en ediciones próximas un Photoespaña embebido de nuevas y originales propuestas nacionales como ésta? El género no es escaso, ni en cantidad, ni en calidad, así que ahí queda mi propuesta.


Otra sugerencia a la organización del festival, es que el premio a la mejor exposición de una galería independiente lleve implícita una dotación económica interesante. Esta es la mejor manera para que las galerías se impliquen, se identifiquen con el proyecto Photoespaña, y vean reconocidos los esfuerzos realizados en estas fechas.



¿Qué destacamos?


La amabilidad de la organización
con la prensa, especialmente de Alberto Anaut, Pablo Berástegui, Horacio Fernández, Oliva Mª Rubio y Álvaro Matías, quienes han estado pendientes de nuestro confort durante todos los actos del evento. Este año, no uno, ni dos, sino hasta tres autobuses de prensa, para acercarnos a las exposiciones, un trabajado dossier de presentación, bastante información digitalizada, desayunos, y más catálogos para facilitarnos nuestra labor. Elementos que hay que resaltar, pues son de agradecer, y no suelen ser frecuentes.


Lo mejor, la inmejorable explicación o "repaso" que el comisario general Horacio Fernández hizo a la prensa internacional sobre las exposiciones que componen la sección oficial de Phe, donde quedó claro sus intenciones de partida y el acertado criterio empleado a la hora de seleccionar las propuestas participantes. Todo un lujo, que poca prensa española optamos por disfrutar.
 


Muy interesante resulta la exposición pública de los 60 trabajos finalistas del certamen Descubrimientos PHE 2006. De esta manera se puede apreciar el trabajo de nuevos valores, y se pueden comprender mejor los criterios de selección de su jurado. Una interesante muestra de trabajos muy recomendable, que podemos ver detenidamente en las paredes del Matadero Madrid.


 Descubrimientos PHE 2006   Matadero Madrid      Fotografía  Olga Simón


Tras este primer acercamiento a la sección oficial de Photoespaña, ahora queda lo mejor: calzarse unas buenas zapatillas, hacerse con ropa fresca, llenar la cantimplora y recorrer la sección off y otras galerías, donde habitualmente uno encuentra las verdaderas joyas del festival. Acudir a Aranjuez a las clases magistrales de grandes maestros de la fotografía como Paolo Roversi, Axel Hütte, Luis González- Palma, Chema Madoz, Ouka Leele, Guy Tillim, Antonin Kratchovil, Paulo Nozolino, Ferdinando Scianna y Alex Majoli, e ir a comprobar en vivo y en directo todo lo comentado.
Ya estoy esperando vuestras aportaciones particulares.

Como podéis comprobar, este año Phe nos sumerge en un apasionante viaje, que no ha hecho más que empezar, y del que todos podremos disfrutar hasta bien entrado el verano.

  

                                                                                                    Olga Simón

                                                                                                                     














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